Арт-аксессуар как форма художественного выражения

В последнее время ювелирные украшения, выполненные по эскизам художников (или же ими самими), набирают популярность. Современные ювелирные сети — от доступных обычному обывателю магазинов до достаточно дорогих и знаменитых домов — имеют минимум одну коллекцию, вдохновлённую художественными произведениями, или даже различными течениями.

Ювелирное искусство даёт «второе дыхание» идеям, материалам и техникам. Для украшений, созданных по эскизам художников, придумали новый термин — «арт-аксессуар» (wearable art). Появился он примерно в 1975 году, чтобы отличать данные произведения от боди-арта и перформанса.


«Ракетки», Наташа Макэлай, с выставки 27 сентября 2018 года.

Носимое искусство объединяет мастерство, моду и художественные проявления. По мнению экспертов, идея носимого искусства появлялась в различных формах на протяжении истории. Специалисты в области драгоценных украшений выделяют период с 1930-х по 1960-е годы как время развития носимого искусства. Историки текстиля и костюма считают, что интерес к носимому искусству возрос в 1960-х годах, продолжая традиции декоративно-прикладного искусства, заложенные еще в 1850-е.

Подобные скульптурам, они созданы не только лишь для созерцания, ведь у них есть и практическая функция — ювелирные изделия должны быть пригодны для ношения. С другой стороны, нет точного ответа на вопрос: каково предназначение арт-аксессуаров? Должны они говорить о дизайне и мастере, создавшем их, или же олицетворять своего носителя?

«Носимое искусство» поистине интересный феномен. Его считают мимолётным веянием без культурного смысла. В мире искусства термин «awerаble art» имеет исключительно негативный контекст и используется для обозначения провокационных одежды и украшений, чья значимость преувеличена авторами и общественным мнением. Однако данное утверждение может опровергнуть рассмотрение арт-аксессуаров, созданных мастерами живописного искусства.

Художники и скульпторы реализовывали и реализуют себя в ювелирном деле, вкладывая схожий, но при этом всё равно отличный друг от друга смысл. В наше время, когда традиционные формы искусства уходят на второй план, художников интересует использование ярких и выразительных элементов, которые привлекают внимание. Учитывая, что драгоценные украшения и скульптура малых форм всегда были привлекательными для человека, то воплощать в них художественный образ — идея прорывная и необычная.

С одной стороны, wearable art приближает человека к искусству, заставляет интересоваться первоисточником (произведениями, по мотивам которых созданы украшения), а с другой не приземляет ли этим самым «изящное искусство», ведь носить на подвеске «Глаз времени» это как-то «по-варварски»?


Alemany & Ertman. Глаз времени. 1949 год.

Пабло Пикассо успел поработать во многих техниках и с самыми разными материалами. Пикассо рассматривал ювелирную деятельность скорее как исследование формы и стиля, нежели как коммерческую возможность. В 1954 году Франсуа Уго, ювелир из Экс-ан-Прованса, предложил Пикассо воссоздать рисунки и керамику в золотых изделиях — так началось их сотрудничество.

Брошь с быком и медальон с рисунком птицы — одни из первых работ мастера, которые выпустила мастерская Франсуа Уго. Считается, что художники-модернисты 50-х годов XX века отдавали предпочтение первобытным мотивам. Эскизы Пикассо для массового производства не в полной мере отражают его живописную манеру. Эти дизайны вряд ли привлекут внимание, если покупатель не будет знать, кто является идейным вдохновителем. Также в выпускаемую серию входили «Лицо фавна», «Нарождающийся лик», «Голова быка», «Расстроенное лицо», «Рыбы», «Лицо из гафрированного картона», «Профиль Жаклин», «Маленький фавн», «Лицо в виде трилистника». Использование творческих работ в ювелирном деле вызвало ошеломительные инновации не только в концептуальных украшениях, воспринимающихся как самостоятельный вид творчества, но и в дизайне функциональных ювелирных изделий.


Тандем Пикассо-Уго. Бык. Брошь.1958.

Тандем Пикассо-Уго. Птица. Около 1950.

Чего не скажешь о работах, выполненных лично художником. Истинной жемчужиной являются изделия, созданные специально для его возлюбленной, Доры Маар. Миниатюрная картина, выполненная тушью и цветным карандашом, обрамлена венком из эмалевых цветов — эта работа уже больше похожа на картины мастера. Аналогов нет и быть не может, так как художник создавал украшения в единственном экземпляре, лишь для Доры. Массового производства, в отличии от работ, о которых говорилось ранее, не предполагалось.


Пабло Пикассо. Кольцо с портретом Доры Маар. 1936–39.

Броши, медальоны, кольца и подвесы, созданные Пикассо, противоречивы. Вроде бы работы уравновешены и могут рассматриваться как цельные, а с другой — очень эпатажные, кричащие. Некоторые критики не признают Пикассо ювелира: «Не считаю Пикассо ювелиром. Его массовые работы ограничивались лишь небольшими элементами, задействованными в крупных украшениях, но при этом выполненных другими. Украшения Маар звучат как-то одинаково, зато они более личные. Думаю, именно индивидуальность заинтересует коллекционеров, вечно ищущих нечто эксклюзивное» — Глория Либерман, одна из глав аукциона Skinners в Бостоне, об украшениях Пикассо. Но в чём же секрет успеха? Только ли в том, что подписаны изделия именем Пикассо? Гонятся ли люди за известным именем или же их вправду привлекает неординарность и самобытность такого явления, как носимое искусство?

В отличии от массовых работ Пабло Пикассо, в которых трудно разглядеть его манеру исполнения (исключением являются украшения из коллекции Доры Маар), украшения Сальвадора Дали целиком и полностью отражают творчество художника: это фантастическое сочетание материалов, сюжетов, форм, размеров.

В 1950-х годах Сальвадор Дали грезил о создании ювелирных проектов, сложных и невообразимых. На тот момент он перестал участвовать в общих выставках сюрреалистов, так как его исключили из их движения. Однако судьбоносная встреча с ювелиром Карлосом Алемани в 1950-х годах помогла ему воплотить безумные сюрреалистичные фантазии в украшениях. Их совместная работа продолжалась до 1971 года. Дали единолично разрабатывал дизайн и самостоятельно подбирал материалы для каждого произведения, оставляя весь процесс создания ювелиру. Интенсивное использование золота и драгоценных камней финансировалось судоходным магнатом Эриком Эртманом , что позволяло Дали использовать материалы, которые привлекали его больше всего, независимо от стоимости. Чарльз Вэллиант из нью-йоркской ювелирной фирмы «Valliant and Devere» взял на себя непосредственное создание ювелирных изделий, разработанных Дали.


Сальвадор Дали. Эскизы.

Тяжело назвать это классическими серьгами, кольцами, подвесками и брошами. Носимый арт-объект в чистом виде, будоражащий воображение. Дали волновал вопрос: были ли украшения сделаны в дополнение к картине или же картина была написана под впечатлением от них? В поисках найти ответ, он создаёт брошь из золота и бриллиантов в виде расплавленных карманных часов, взяв за основу картину «Постоянство памяти».


Alemany & Ertman, Сальвадор Дали. Постоянство Памяти. Брошь. 1949 год.


Сальвадор Дали. Картина Постоянство Памяти. 1931.

Сам художник говорит о своих украшениях: «Идеальная вещь для меня та, которая абсолютно не для чего не пригодна. Этим предметом нельзя писать, им не удалишь лишние волосы и не сможешь позвонить. Этот предмет нельзя разместить на шедевре или поставить на комод Людовика XIV. Эту вещь нужно просто носить, и это — ювелирное украшение». Сальвадор Дали, можно сказать, создаёт ценность арт-аксессуара. Его «носимое искусство» необычно, но оно всё равно не имеет в себе никаких других функций, кроме как ношения и эстетического наслаждения. Эти украшения что ни на есть настоящее искусство, ведь в них отражена и авторская сюрреалистическая манера, и его художественные образы. Можно сказать, что полотна были перенесены в другую плоскость — материальную. Украшения Сальвадора Дали являются носимым искусством в чистом его проявлении.


Alemany & Ertman, Сальвадор Дали. Космический слон. Часы. 1961.

Когда речь заходит об искусстве нашей современности, многие будут настроены скептически, либо же вовсе выразят недовольство. Конечно, в XXI веке традиция не просто созерцать искусство, но ещё и размышлять над ним, продолжается. Появляются новые темы, требующие обсуждения, а также веяния, направления. Общество претерпевает преобразования, из-за чего взгляд на многие вещи, в том числе и на украшения, моду, меняется. К новому в искусстве относятся с подозрением, не хотят принимать.

Михаила Шемякина можно назвать исключительным для нашего времени мастером. Он работает по своему собственному методу. Как и Дали с Пикассо, Шемякин имеет свой узнаваемый почерк, у него есть свой творческий метод, именуемый «метафизическим синтетизмом».

«Петербургский сфинкс», представляющий собой фрагмент небезызвестной скульптурной композиции «Жертвам политических репрессий». Быстротечность времени, круговорот жизни, размышление о смерти, сочетание живого и неживого — всё это присуще темам «метафизического синтетизма». Не редко шемякинскую ювелирную продукцию сравнивают с работами Пабло Пикассо.


Михаил Шемякин&Sasonko. Кулон-подвес. Петербургский сфинкс, 2013.

Некая схожесть прослеживается и с работами Дали. Сюрреалистические образы на грани реальности и сновидений. К примеру, коллекция ювелирных изделий «Капли», созданная в 2022 году почти сразу после персональной выставки «Видение капель». В отличии от более классической коллекции, созданной по эскизам костюмов и декораций Шемякина к театральным постановкам в 2010-2015 годах, эти работы выглядят более необычно, в них присутствуют оригинальные формы, яркие цвета. «Капли» привлекут внимание многих, так как не имеют узконаправленной темы, как в случае классической коллекции, и не ассоциируются с работами Шемякина, которые знает не каждый человек. С одной стороны, это хорошо, ведь больше людей заинтересуются данными ювелирными образами, но с другой стороны не будет видно явного сходства с обычными работами Шемякина.


Михаил Шемякин&Sasonko. Коллекция украшений из серебра и золота. 2013. Михаил Шемякин&Sasonko. Танцующие зайцы. Кулон-подвес, 2022.

Носимое искусство как не воспринималось всерьёз критиками, так и не воспринимается и по сей день. Однако, несмотря на это, мастера продолжают создавать работы, которые охотно покупают и демонстрируют на выставках. Джефф Кунс является такой же спорной фигурой — о его творчестве идут споры, при этом поклонников от этого не меньше. Американский художник известен своей любовью к китчу. Он объединил поп- и медиа- культуру, создав свою узнаваемую иконографию. Попробовав себя в ювелирном деле, художник берёт за основу свои скульптурные образы. Пока что украшений было создано не так много. Самое известное, Rabbit Pedant, было представлено на выставке «Sculpture to wear» в 2021 году.


Джефф Кунс. Rabbit Pedant. Скульптура. 1986.


Джефф Кунс. Rabbit Pedant. Кулон-подвес. 2005-2009.

Тенденция носимого искусства вызвана политикой потребления в обществе. Ранее, когда творили Дали и Пикассо, ювелирные украшения по эскизам художника были новаторством, чем и привлекали внимание. В наше же время арт-аксессуары популярны из-за стремления людей к самовыражению и показу своего статуса. Существуют эстеты, которые без ума от живописных образов до такой степени, что готовы носить их на себе.

Явление «werebаle art» имеет право на существование, а также имеет право называться искусством, так как художники используют при создании свой особый стиль, внедряют живописные техник и закладывают в ювелирные изделия такой же смысл, который вкладывается в прочие произведения искусства.

Вспомним слова Сальвадора Дали о цели создания украшений: их функционал ограничен лишь одной ноской и созерцанием их красоты. И не важно, авторское это украшение или же массового производства. Ношение ювелирных изделий является частью мировой культуры и старых традиций. Сейчас люди носят их по разным причинам: они являются символом роскоши и богатства, выражением своей индивидуальности и стиля, для кого-то это память о событии, моменте, человеке, а также показатель чего-либо для общества (к примеру, замужество). Индустрия ювелирных украшений в наше время очень востребована, а потому на современном рынке можно встретить аналоговые украшения арт-аксессуаров. Некоторые из них могут быть выполнены в схожем стиле, цветовых гаммах и с использованием необычных материалов. В основном, аналоговые работы представляют собой украшения, вдохновлённые живописными работами художников, а не их ювелирными изделиями.


Ювелиры фабрики янтаря «Амберхолл». Коллекция украшений «Пикассо».


Мастера «Thing Jewerly». Коллекция «О, сальвадор Дали!». Моносерьга «GALA DREAM».

Одно можно сказать наверняка: их происхождение и предназначение — в том, что они существуют. В этом смысле они напоминают произведения искусства, которые, как мы знаем, существуют независимо от тех, кто их созерцает или же пользуется ими.

«Носимое искусство» — это необычное явление, которое пока что не готовы принять повсеместно. Нельзя точно утверждать, что арт-аксессуары не являются искусством. Эти работы должны рассматриваться как художественная работа, так как они воплощают в себе элементы искусства, стилистические приёмы художников, в них заложен символизм. Рассматриваемы работы Пабло Пикассо и Сальвадора Дали являются культовыми, их украшения становятся предметом коллекционирования. Это подчёркивает значимость арт-аксессуаров, их наличие в частных коллекциях может свидетельствовать как о самостоятельном искусстве. Можно сказать, что «awereble art» является современным течением искусства, как скульптурные работы того же Джеффа Кунса. Он и Михаил Шемякин продолжают создавать арт-аксессуары, вкладывать в них свои уникальные черты и стилистические приёмы.

С 1987 года и по настоящее время свою деятельность ведёт компания WОW, World of Wearable Art, которая продвигает в массы «носимое искусство». Их показы представляют собой международное мероприятие, в рамках которого дизайнеры со всего мира могут подавать заявки. WОW ориентирован на предметы, которые, в первую очередь, создаются как произведение искусства. На подобных мероприятиях молодые специалисты получают возможность проявить свою творческую фантазию, мастерство в использовании профессиональных знаний и современных технологий.

Дизайнеры часто не подчиняются требованиям или модным тенденциям рынка. Они стремятся к свободе и следуют своему внутреннему вдохновению, используя различные материалы и техники, чтобы воплотить свои художественные идеи в жизнь. С другой стороны, не все предметы одежды действительно удобны или практичны для ношения. Иногда дизайнер создает вещь, которая точно отражает его видение, однако конечный продукт не пригоден для повседневной носки. Возможно, это будет скорее выставочный экспонат, предназначенный для подиумов и показов, чем для ношения. Граница между модой и искусством всегда оставалась нечеткой. Сегодня, в период заметного возрождения интереса к «wearable art», люди, которые не согласны с культурой быстротечной моды и бесполезным массовым производством, имеют альтернативу. Современные бренды уделяют особое внимание созданию уникальной одежды, обуви и аксессуаров, изготавливаемых на заказ вручную. В результате получаются предметы искусства, которые сохраняют свою стойкость со временем и становятся настоящим наследием, передаваемым из поколения в поколение.

© Текст: Алла Харченко. 2023

Все права на фотоматериалы, представленные в этой статье принадлежат их законным владельцам и предназначены только для ознакомления.